Comic Blog

Ein Mädchen verschwindet. Ein Mann erhält wenig später ein Paket. Darin befindet sich eine gerahmte Trockenblume. Das Jahr darauf erhält der Mann, Henrik Wanger, das nächste Paket. Jahrzehnte darauf, der Mann ist alt, entschließt sich Henrik Wanger einen Journalisten zu engagieren, der das Rätsel um das Verschwinden des Mädchens lüften soll. Inzwischen ist eine Wand seines Büros voll von gerahmten Trockenblumen. Der angeheuerte Journalist ist niemand anderes als der soeben in die Schlagzeilen geratene Mikael Blomkvist, der nach Analyse einer jungen Frau namens Lisbeth Salander, die er nie kennengelernt hat, in eine Falle geraten ist und so seine Reputation als Reporter verloren hat. Blomkvist, der sich auf die Entführung konzentriert, kann zu diesem Zeitpunkt nicht ahnen, in welches Wespennest er sticht und wen er aus seinem Versteck hervorlocken wird.

Selten nur erlebt eine Geschichte derart viele Varianten der Veröffentlichung. Buch, Hörspiel, zweimalige Verfilmung und Comic-Adaptionen fehlen auch nicht. In den jeweiligen Umsetzungen bleiben Kürzungen nicht aus und so gilt es, Schwerpunkte zu setzen. Das Schöne ist zweifellos, dass durch die jeweilige Interpretation neue Einsichten entstehen und die Geschichte (selbst wenn ich sie nun in der fünften Version erlebe) niemals verliert. In der Adaption für das Medium Comic gilt es also für Sylvain Runberg sinnvolle Kürzungen zu erarbeiten und Schlüsselmomente besonders hervorzuheben. Hier schwanken die Szenen zwischen erklärend und thrillernd.

Homs, der als Zeichner hierzulande weniger in Erscheinung getreten ist, fällt durch seine sehr eigenen Interpretationen der Figuren auf. Diese erscheinen an der Grenze zur Karikatur gestaltet zu sein, sind aber niemals überzeichnet genug, um nicht eine echte Vorlage gehabt haben zu können. Das Mädchen mit dem Drachen-Tattoo ist eine der faszinierenden Romanpersönlichkeiten der letzten Jahre. Leidgeprüft, unglaublich tough auf ihre Art, dabei körperlich zerbrechlich wirkend und ungeheuer intelligent, unbeugsam, eigensinnig, rebellisch. Mager bis zur Unterernährung, mit einem dreieckigen Gesicht, kurzen schwarzen Haaren, Piercings und einem starkem Auftreten, das nur einmal ins Wanken gerät, als sie sich den Gegeben unterordnet.

Homs verwendet dünne Striche. Ein starke, plastische Kolorierung hebt die Figuren aus dem Papier. Man könnte die Bildsprache einer transantlantischen Überschrift unterordnen. Die Technik findet sich hier wie dort und lässt seine Figuren theaterartig wie auch operettenhaft auftreten. Damit rückt Homs in eine Nische wie Eric Powell, denn ein gewisser Sarkasmus im Strich findet sich hier auch. Homs gestattet es sich, seinen Figuren einen Stempel aufzudrücken. Das bringt, will man die erklärende Nähe zur klassischen Kunst suchen, sogar Parallelen zur künstlerischen Darstellung eines Otto Dix mit sich.

Während die Erzählung um Blomkvist in diesem ersten Teil von Verblendung (dem Auftakt der Millennium-Trilogie) eher detektivisch geprägt ist, muss Lisbeth Salander ihren Charakter entblößen und wird auf der anderen Seite der Waage zum Leiden ausgeschickt. Zwischendurch zeigt der Mörder im Hintergrund, dass er bei aller Qual, die Lisbeth durchstehen muss, noch viel bestialischer vorzugehen vermag und die Helden dieses Thrillers noch einiges erwartet. Das ist auch mit einer optischen Anmutung von Momentaufnahmen abzulesen, die vorwiegend mit eher kälteren Farbeindrücken daherkommen und den Leser auch auf Abstand halten.

Zur Geschichte dieses Weltbestsellers von Stieg Larson muss kaum noch etwas gesagt werden, diese Adaption hält die Spannung der Vorlage aufrecht und kann auch jenen empfohlen werden, die bereits eine der anderen Varianten kennen. Homs könnte sich mit dieser Arbeit noch für eine lange Karriere als Künstler empfehlen. Der Auftakt hier ist jedenfalls sehr vielversprechend. 🙂

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Die Göttinen machen keine halben Sachen. Hekate, Hera, Artemis und Aphrodite wollen das kleine Mädchen nicht so einfach seinem Schicksal überlassen. Da auch niemand hinter der anderen Göttin zurückstehen will, sind ihre Gaben, die sie dem Kind überlassen, über die Maßen großzügig für eine Sterbliche. Atalante ist ein aufgewecktes Kind, wird umsorgt und hat, nach einer Begegnung aus der Ferne, nur einen bedeutenden Wunsch: sie will sich dem Volk der Amazonen anschließen. Eine stolze Kriegerin zu sein, erscheint ihr erstrebenswert. Doch zuvor, endlich erwachsen geworden, wartet das Abenteuer auf die junge Frau, die sich erst einmal vor gestandenen Männern behaupten muss. Die Zentauren sind in Aufruhr und sie lassen sich nicht durch die Schönheit Atalantes verwirren. Hier zählen nur Taten.

Wenn Didier Crisse zeichnet, gestaltet und erzählt, dann bleibt kein Aspekt der griechischen Mythologie unberührt. Und er macht es in einer so liebevollen wie auch sehr dichten Art und Weise, dass es für den Leser auf jeder Seite Neues zu entdecken gibt. Der Lebenslauf von ATALANTE beginnt bereits spannend, da kann sie noch nicht einmal laufen. Der Vater will sie nicht, die Mutter kann sie nicht retten. Die Götter hingegen haben ein Auge auf den Säugling. Und schon werden die Karten neu gemischt und Atalante landet wenig später in Gefilden, in denen Menschen keine gern gesehenen Gäste sind. In der Kindheit entfalten sich die ersten besonderen Fertigkeiten, die später, um im Bereich der klassischen Sagen zu bleiben, an der Seite von Jason und seinen Argonauten so richtig zum Tragen kommen.

Die grafische Pracht, wie sie bislang ähnlich in Canari oder Ishanti geboten wurde, das Verspielte, wie es der verwöhnte Fantasy-Leser von SinBad oder Belladonna her kennt, findet sich hier ebenso wie die technische Perfektion, die der Fan von sehr fantasievollen Themen eher aus der Schmiede Hollywoods im Stile von Disney oder DreamWorks gewöhnt ist. Anspielungen wird der Leser auf die Traumfabrik in jedem Fall finden. Die Harpyien, mit denen Atalante in jungen Jahren in Kontakt kommt, sind eine direkte Verbeugung vor den Geiern aus dem Dschungelbuch aus dem Hause Disney, wie auch die tolle Kolorierung von Fred Besson eine konsequente Umsetzung des Zeichentrickkonzepts auf Papier darstellt.

Die Stärke von Didier Crisse liegt in seinen Knuffelfiguren, von denen es in der näheren Umgebung von Atalante eine Menge gibt. Fast möchte man sogar die gefährlichen Kreaturen knuffeln, die einen ähnlichen Charme versprühen wie allseits beliebten Hexen aus der Disney-Schmiede oder jene Bösewichter, die uns der deutsche Zeichner in Hollywood, Andreas Deja, uns auf der Leinwand (Dschafar, Scar) bescherte. Didier Crisse allerdings muss sich nicht wie ein Hollywood-Zeichner mit einer Figur aufhalten. Er kreiert, und sagen wir es direkt ein wenig größer, gleich ein ganzes Universum.

Jede Figur besitzt eine derart liebevolle Gestaltung, als habe sich jeweils nur ein Zeichner auf diese Figur konzentrieren können. Zu den Höhepunkten zählen sicherlich die Göttinnen wie auch die Zentauren. Im redaktionellen Anhang finden sich Skizzen, Entwürfe, auch fertige Zeichnungen von Figuren, wie sie diese Geschichte noch nicht zu bieten hat. In der Vergrößerung verlieren diese Charaktere nichts von ihrer Wirkung, eher sind sie noch eindrucksvoller in ihrer Verspieltheit. Didier Crisse erfährt durch Fred Besson, den Koloristen, großartige Unterstützung, denn in teils realistisch angelegten Hintergründen (Natur) und weich eingefärbten Figuren ist die Wirkung tatsächlich jene von Zeichentrickbildern, die einem Film entnommen worden sein könnten.

Ein toller Einstand einer Reihe, gerade für jene, die das Leichte, Verspielte, Kindlichere in einer Fantasy-Erzählung mögen. Aufregend erzählt, perfekt koloriert, Seite für Seite ein Page-Turner. Klasse. 🙂

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Ein ganz eigenes Leben: Theodor Pussel betreibt seine Kokosnussplantage irgendwo im indonesischen Archipel. Man schreibt das Jahr 1933. Fernab Europas gibt es Arbeit, Einsamkeit und Geschäft. Eine Frau passt da nicht hinein. Umso erstaunter ist Theodor Pussel, als ihn eines Tages einmal mehr die Vergangenheit einzuholen scheint. Chouchou ist gekommen! Ohne sich vorher anzukündigen, betritt die junge Frau die Insel und Herr November, inzwischen in den Diensten Theodors, weiß es sogleich: das wird Ärger geben. Bösen Ärger. Ein Grund ist Eifersucht. Damit allein könnte Theodor Pussel umgehen, bedrohte man nicht auch einmal mehr sein Leben und das der Menschen um ihn herum.

Betrachtet man die Erzählung über das Leben von Theodor Pussel, fällt sehr schnell auf, wie sehr sich diese Handlung vom Hauptstrom unterscheidet. Wie sehr sie von anderen Einflüssen geprägt ist, als jene Bestseller und Blockbuster, die es in die öffentliche Wahrnehmung schaffen. Die dritte und abschließende Gesamtausgabe von THEODOR PUSSEL wartet mit einem tollen redaktionellen Teil auf, der gerade einen sehr anschaulichen Blick hinter die Kulissen, in die Entstehung und Weiterentwicklung dieser ungewöhnlichen Figur gestattet. Die Handlung bietet keinerlei Komik, ist aber nicht gänzlich humorlos. Sie bildet eine vergangene wie auch aus europäischer Sicht ferne Ecke der Welt ab, in der die Uhren anders ticken. Es ist allein dieser Gegensatz, wieder aus der Sicht des Lesers, der es so spannend macht, dem Leben von Theodor Pussel zu folgen, das gleichfalls als großes Abenteuer bezeichnet werden kann.

Der redaktionelle Teil gibt nicht nur vorzüglich Auskunft über die textliche Arbeit des Künstlers Frank Le Gall, es zeigt auch Le Galls schöne Farbtechnik, die so nur in einem Album zum Einsatz kam. Neben diesen Ausflügen, die von Skizzen ergänzt werden, darf der Leser einen blick auf eine nie in dieser Form vollendete Variante von Das ganze Jahr November werfen. Herr November, eine Figur, die zeitweilig wie ein schlechter Schatten um Theodor Pussel herumschwebte, kehrt zurück. Frank Le Gall unternimmt einen Ausflug in andere Gefilde, indem er eine deutliche Hommage an klassische Krimis im Stile einer Agatha Christie entwirft, eine ominöse Theatertruppe eingeschlossen, wie sie der Krimifan auch in Vier Frauen und ein Mord vorfinden durfte. Wer weitere Parallelen sucht, wird sie in der Umgebung finden. Statt eines Zuges wie in Mord im Orient-Express ist es hier ein Schiffsfahrt, die den Kreis der Verdächtigen deutlich einschränkt. Und ein Entkommen unmöglich macht.

Doch das ist vorgegriffen. Zuvor beschäftigte sich Frank Le Gall noch mit einem Thema, das deutlich mehr einem Theodor Pussel entgegenkommt. Mit den beiden Alben Im Palast des Nabobs – Teil 1 und Im Palast des Nabobs – Teil 2 widmet sich Le Gall wieder der indischen Atmosphäre, die gleich von Beginn an von einer seltsamen, teils unheimlichen, in jedem Fall fremdartigen Atmosphäre durchdrungen ist. Europäer betreten dieses Szenario mit Nachdruck, aber auch wie ein Fremdkörper. Die Geschichte entfaltet sich langsam, fast schon, bedenkt man die Geschwindigkeiten, die heutzutage zum Erzählen angelegt werden, eine Provokation. Außerdem scheut sich Le Gall nicht, Textpassagen wie Dialogszenen über zwei Seiten mit nur wenigen Rahmenillustrationen zu versehen und so stehen zu lassen.

Aus dieser Erzählweise, die einfach gängige Muster über Bord wirft oder ignoriert, entsteht etwas derart Eigenes, auf das sich der Leser erst einmal einlassen muss. Le Gall erzählt gegen den Strich, folgt jedoch künstlerisch, grafisch einer klassischen Linie, deren Stil der Ernsthaftigkeit der Handlung durchaus angemessen ist. Denn hier wird sich der Leser nur freuen können über die Art, wie Le Gall diese vergangene Zeit neu belebt, in den Dschungel auf Tigerjagd entführt und gleichzeitig Intrigen und Liebesdrama schürt.

Eine außergewöhnliche Serie um eine gar nicht einmal so heldenhafte, dafür umso menschlichere Figur, die auch viel zwischen den Zeilen zu erzählen hat. Ein toller Abschluss mit dem dritten Sammelband, der vier Alben und einen außerordentlich schönen und informativen redaktionellen Teil enthält. Um die Entwicklung Theodor Pussels aber auch würdigen zu können, ist die Kenntnis der ersten beiden Ausgaben Pflicht. 🙂

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Die Flut wird kommen. Weder Noah noch die Engel haben einen Zweifel an dieser Voraussicht. Inzwischen ist die Arche, die sie alle schützen soll, Noahs Familie mit eingeschlossen, sehr weit gediehen. Die ersten Tiere kommen: Vögel. Sie kommen in Scharen, immer paarweise. Nur eine weiße Taube ist allein. Noah begrüßt jedes Vogelpaar persönlich. Jedes Tier, das auf diese Weise seine Segnung erhält, ist vor der Flut gerettet. Es folgen die Reptilien und die Säugetiere. Die Ladung der Arche wächst. Die Tiere werden beruhigt. Alle fallen in seligen Schlummer. Das Projekt, dem sich Noah durch eine Vision Gottes verpflichtet fühlt, könnte eilig zwar, doch in aller Ruhe wachsen und am Tage des Hochwassers bereit sein. Gäbe es nicht die Menschen. Jene, die nicht in Paaren auf dem Schiff weilen. Jene, die ebenfalls errettet werden wollen. Ob Gott das nun will oder nicht.

In der zweiten Folge über die biblische Passage über den vorläufigen Untergang der Welt und ihren Neubeginn widmen sich die beiden Autoren Darren Aronofsky und Ari Handel den Vorbereitungen zum Überleben der Tierwelt. Nichts von Gottes Schöpfung soll verloren gehen. Jede Art, die zu zweit vor der Arche erscheint, soll aufgenommen werden. Wie in einem oft geübten Ritual nimmt NOAH jede Art persönlich auf. In Anbetracht der Tatsache, dass diese Geschichte nicht nur eine Graphic Novel ist, sondern eigentlich so etwas wie eine Comic-Umsetzung der geplanten Verfilmung mit Russell Crowe in der Hauptrolle, lassen allein diese Passagen die Köpfe der Spezialeffektemacher bestimmt bereits rauchen.

Doch es geschieht noch viel mehr als nur die Sammlung aller zu rettenden Tiere. Innerhalb der Familie Noahs gibt es natürlich auch Schwierigkeiten. Zwei sollen es von jeder Art sein. Das mag auf Noah und seine Frau auch zutreffen, doch was ist mit seinen Kindern, die nicht partnerlos auf dem kommenden Weltmeer herumfahren wollen? Was ist mit den Menschen, die auf die Arche stoßen und plötzlich geneigt sind, den Vorhersagen Noahs zu glauben und sich notfalls mit Gewalt einen Platz an Bord verschaffen wollen? Was ist mit Noahs Kindern, die auch einfach nur Kinder sind?

Für Niko Henrichon ergeben sich sehr viele unterschiedliche Passagen, die es bildhaft zu inszenieren gibt. Auffallend sind natürlich die Großen, die Massenszenen, die weitaus mehr bieten, als nur den Aufmarsch der Tiere. Visionen und Menschen, die sich gegeneinander werfen, neue Freundschaften, die Fertigstellung der Arche und andere Szenen werden von Niko Henrichon in einer skizzenhaften Technik zu Papier gebracht. Henrichon übernimmt auch die Kolorierung und verleiht den Bildern so Volumen und den unterschiedlichen Figuren auch Charakter. In den Gesichtern ist ein wenig von der Einfachheit, wie sie in Mangas zu finden ist. Aber sie ist ebenso vergleichbar mit einem Künstler vom Format eines Andrea Mutti (Break Point) oder eines Sean Phillips.

Das Land hat als Kulisse in diesem Band nicht viel zu bieten. Die Welt ist öde und leer, vom Menschen auf neudeutsch heruntergewirtschaftet, zerstört, ausgebeutet. Gott will einen Neuanfang. Deshalb sollen die Menschen sterben, bis auf einige Auserwählte. Die Menschen, kriegerisch, nomadenartig, ein wenig wie über die Maßen wilde Maori wirkend, lassen Noah nicht kampflos seine Arbeit erledigen. Entsprechend apokalyptisch werden die Bilder, nachdem sie doch eine Weile eine gewisse Hoffnung verbreitet haben. Doch mit dem prophezeiten Einsetzen des Regens, den Tränen des Schöpfers, wird die Hoffnung erstickt. Und wüsste man nicht, laut Bibel, wie die Geschichte ausgegangen ist, könnte der Leser, den Bildern folgend, auch eine Katastrophe für Noah und seine Familie kommen sehen.

Eine bekannte Geschichte, packend neu erzählt. Die Fortsetzung ist noch enger an der Hauptfigur und bietet Fantasy pur. Selbst wer mit der Bibel nichts anfangen, wird diesen Aspekt finden und möglicherweise sehr mögen, da es eine sehr erdige Fantasy ist, wie sie sich in den letzten Jahren mehr und mehr durchgesetzt hat. Sehr gut. 🙂

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Dieser … ja, wer ist er eigentlich? Er trägt ein T-Shirt mit einem seltsamen Emblem darauf, eine Jeans, schwere braune Schuhe und dann noch ein …Cape, das viel zu kurz ist und wie ein Tischtuch hinter ihm her flattert. Trüge es nicht auch das selbe Emblem wie das T-Shirt. Sehen so … Superhelden aus? Dieser junge Mann stellt sich die Frage nicht. Er ist … wütend. Er mischt sich ein. Er nennt sich Superman. Und wer sich schlecht benimmt, so sagt er selbst, bekommt es mit ihm zu tun. Der Mann, dem er ein Geständnis abringt, auf recht ungewöhnliche Weise, kann ein Lied davon singen. Diese eigenmächtige Jagd auf Verbrecher findet nicht nur Befürworter.

Schneller als ihm lieb ist, muss sich Superman seiner Haut erwehren. Schweres Geschütz macht ihm zu schaffen und so lieb es ihm vermutlich wäre, ist ein Zug doch mal eben so zu stoppen. Superman blutet und wird selbst gestoppt. Im Hintergrund haben sich die Verantwortlichen auf Seiten des Gesetzes, solche, die sich Sorgen machen über dieses mächtige Wesen einen Berater namens Lex Luthor geholt, der alles, wirklich alles daran setzt, um eine Schwachstelle bei jener Kreatur zu finden, die zweifellos ein Alien ist.

Ein neuer Anfang: die Sammelausgabe fasst die ersten acht Ausgaben des neuen Superman in einem neuen DC-Universum zusammen. Zu viel, zu neu? Nein, weil Grant Morrison, der Autor, diesen Superman wirklich einmal andere Wege gehen lässt und ihm gleichfalls, um im Bild zu bleiben, auch andere Steine in den Weg legt. Der Leser begegnet einem Superman, der noch nicht fertig ist. Ein Superman, der Schwierigkeiten mit dem Fliegen hat (wie es auch von anderen Autoren gerne einmal angedeutet wurde, z. B. Frank Miller). Ein Superman, der nicht einfach so durchs All fliegen kann, weil er erst einmal schauen muss, wie er da überhaupt hoch kommt. Und weil er auch Sauerstoff benötigt.

Ein Superman mit Schwächen, also ein Superman für das neue Jahrtausend. Rückblicke bringen ein verändertes, härteres Krypton vor die Augen der Leser, doch manche Dinge ändern sich auch nicht. Der berühmte Fund des kleinen Clark gehört dazu. Eine Abordnung der Legion der Superhelden hat ihren Auftritt, etwas unerwartet eingefügt, doch für Überraschungen gut.

Das ist optisch für Superhelden-Fans eine absolute Sause. Rags Morales, technisch angesiedelt zwischen einem Bernie Wrightson und einem Jim Lee, illustriert den Start der Serie, bevor er den Stift an andere Zeichner übergibt oder sich zeitweise mit ihnen ein Heft teilt. Dieser neue Superman wirkt als Clark Kent, der Geheimidentität des Stählernen, ein wenig wie ein Peter Parker (Spider-Man). Er ist kein Superboy mehr, aber auch nicht ganz der wirkliche Superman. Dank Andy Kubert einem ähnlichen künstlerischen Schwergewicht wie Rags Morales erhält der Leser Einblick in die sorgfältig versammelte Anti-Superman-Fraktion, Figuren, gegen die sich im Laufe der Jahrzehnte bisherige Feinde viel normaler ausnehmen.

Brad Walker, ein Künstler, der die besondere Nähe zum Realismus liebt, dessen Bilder mit einem milchigen Farbauftrag daherkommen, beschäftigt sich nicht nur mit einem anderen Mann aus Stahl, Steel, er verleiht seinem Superman auch das Aussehen eines jugendlichen Christopher Reeve, der den Leinwand-Superhelden nachhaltig geprägt hat. Männer aus Stahl? Einer fehlt noch. Zwei werden dem Leser auf guten Seite beschert, John Corben, Metallo, bereichert die zu Beginn auftretenden Schurken, denn er vermischt sich auch noch mit dem Weltensammler. Das ist für den jungen Superman fast eine Nummer zu groß, bietet aber viel Stoff für großartige Superhelden-Action.

Kein leichter Abschied für eingefleischte Supie-Fans, aber eine gelungene Begrüßung durch Grant Morrison all jener, die sich überzeugen lassen wollen, wie ein Superman des neuen Jahrtausends ist. Das ist spannend, das ist ein sehr menschlicher Kryptonier, das ist grafisch bombastisch. 🙂

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Ist dieses Wesen tatsächlich der gefährliche Maximus? Die Dino-Men sind zu verblüfft. Oder ist der wahre Maximus jener einarmige Mann, derjenige der in einem Gefängnis nahe des Erdkerns gefangen gehalten wird? Viele Fronten, viele Motive. Für die einen ist es die Macht, für die anderen ist es schlicht der Wunsch, die eigene Frau wiederzufinden. Derek Dynamo unterdessen wird in einen Krieg hineingezogen. Wenn es stimmt, was der Gefangene dort in seinen Klammern und Fesseln an düsteren Prophezeiungen verbreitet. Für SUPER DINOSAUR werden die Probleme immer ernsthafter, weit davon entfernt, mit den Trainingssituationen im Gefahrenraum vergleichbar zu sein.

Shark-Men. Dino-Men. Diverse Kreaturen, die um die Führung jener halbmenschlichen Wesen buhlen und sich gegenseitig mit aller Macht bekämpfen. Und natürlich SUPER DINOSAUR und seinen Freund Derek Dynamo, für den es auf einmal nicht mehr ganz so schlimm ist, Gleichaltrige in seiner näheren Umgebung zu haben. Das Leben hält für die kleine Mannschaft, die sich in ihrer sehr technisierten und abgelegenen Basis zusammengefunden hat, kaum lange eine heile Welt bereit. Die Feinde, die sich selbst uneins sind, stellen die Weichen für einen neuen Angriff. Der bisherige starke Mann, Squidious, wird aus seiner eigenen Festung vertrieben. Exilium taktiert gründlicher, wirkt gnadenloser, auch intelligenter. Am Ende lässt Autor Robert Kirkman den Leser in einer scheinbar aussichtslosen Lage zurück. Gemeiner können Cliffhanger, mitten auf dem höchsten Spannungsgrad abgebrochene Handlungen, kaum sein.

Robert Kirkman will es in der zweiten Episode von SUPER DINOSAUR phantastischer, krachender, auch verzwickter, den jede Front ist nicht in die berühmten Guten und Bösen ausbalanciert. Hier nutzt schließlich jeder eine Seite für seinen Vorteil. Nur SUPER DINOSAUR und sein Freund Derek halten sich an die Spielregeln. Doch mit unterschiedlichen Allianzen verschieben sich die sonstigen Grenzen. Ehemalige Feinde agieren plötzlich auf derselben Seite. Unvorhergesehene Schachzüge machen die Bahn für unvorhergesehene Reaktionen frei. So betrachtet, befolgt Robert Kirkman immerhin seine eigene Regeln, die ihn zu einem gefragten Comic-Erzähler in den Vereinigten Staaten gemacht haben. Nix ist fix, könnte man sagen. Alles kann sich jederzeit ändern. Der Leser wird nie auf der sicheren Seite sein und muss erfahren, was auf der nächsten Seite geschehen wird.

Für Kinder erzählt, folgt Kirkman natürlich auch der Schiene, die sich durch die Samstags-Cartoons (zumindest hierzulande) zieht. Die Charakterzeichnung erfolgt in der neuen Episode deutlich schneller, Zwischenmenschliches ist zügig erklärt (auch Anderkreatürliches). Jason Howard darf den maskierten Unhold in dieser Folge sogar doppelseitig enttarnen. In der Zeichnung dieses Wesens steckt brutale Intelligenz, weitaus stärker ausgeprägt als in den bisher vorgestellten Kreaturen, die zwar ebenfalls aufrecht gehen und reden, aber mehr wie (um beim Vergleich des Schachs zu bleiben) Bauern wirkten, während dieser Feind, Exilium, mindestens eine herausragende Dame oder sogar ein König ist.

SUPER DINOSAUR, der Held der Geschichte, kommt zeitweilig etwas zu kurz, aber sobald der Einsatz naht, dann rockt er, um mit seinen Worten zu sprechen. Die Rüstungen werden größer, martialischer, auch militärischer zum Schluss. Gegen die von Kirkman kreierten Feinde muss schweres Gerät her. Das erinnert in der Rasanz der Kampfszenen an Ben 10, dessen Verwandlungen auch einen der besonderen Reize jeweils ausmachen. Und SUPER DINOSAUR ist nicht der einzige, der in einem Spezialanzug die Lava rockt. Hier ist viel los und wird entsprechend zelebriert, mal halbseitig, mal einseitig. Wenn der Rückzugsraum der Basis verlassen ist (oder die Verstecke der Mutanten), wird es farblich auch knalliger, signalisieren Rottöne, gelbe Blitzer und lilafarbene Ränder die aufkeimende oder gar explodierende Gefahr.

Das geht ab! Das mag nicht unbedingt eine sehr fundierte Aussage sein, trifft aber die vorliegende zweite Ausgabe von SUPER DINOSAUR. Robert Kirkman dreht noch mehr auf und jagt seine beiden Helden an ihre Grenzen. Da kommt keine Sekunde Langeweile auf. 🙂

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Wilfrid Nao Morgenstern war lange fort. Er, der Mensch, hat seine Familie auf Aquablue lange Zeit nicht gesehen. Sein Sohn ist fast ein Fremder für ihn. Nao hat vieles nachzuholen. Endlich ist ein Gesetz verabschiedet, das die Kolonisierung von Planeten verbietet, die von intelligenten Lebewesen bereits bewohnt werden. Nao wähnt sich am Ziel. Allerdings gibt es eine Nachricht, die seine Lebensplanung ins Wanken bringen, sogar einen gesellschaftlichen Wandel herbeiführen könnte. Auf der Erde, im ewigen Eis, wurde ein Schiff gefunden, eindeutig nicht terranischen Ursprungs. Für alle Beteiligten überraschend mehren sich die Hinweise einer Verbindung zu Aquablue. Irgendwann jemand von dort brachte das Leben zur Erde. Die daraus erwachsenden Konsequenzen haben Folgen für beide Völker.

Regis Hautiere und Reno kehren auf den von Olivier Vatine und Thierry Cailleteau geschaffenen Planeten Aquablue zurück. Inzwischen wächst eine neue Generation heran. Die Probleme sehen zunächst nicht mehr so groß aus. Ein wunderbare Zukunft scheint zum Greifen nahe. Autor Regis Hautiere vermischt auf schöne Weise die Beschreibung des fernen Planeten mit einer Handlung, die langsam, aber dicht in Fahrt kommt. Wer die ursprüngliche Reihe nicht kannte, kann dennoch bedenkenlos bei dem ersten Band von AQUABLUE NEW ERA zugreifen. Die Einführung ist gekonnt, berücksichtigt das Geschehene und lässt für den Neuleser trotzdem keine Fragen offen. AQUABLUE ist ähnlich wie das im Kino populär gewordene Pandora (Avatar) ein Planet, der eine deutliche Rolle spielt, eine lebende Bühne, mit der die Figuren der Geschichte zwangsläufig reagieren müssen.

So ergibt sich für Reno in Personalunion als Zeichner und Kolorist eine genial gelöste Aufgabe. Hier wird ausgereizt, was der Computer hergibt. Das ist mehr als nur Trickfilm, als nähert sich bereits stark einer möglichst realen Optik an. Das Titelbild vermittelt einen Eindruck, was den Leser durchgängig im Inneren des Albums erwartet. Die Landschaften auf Aquablue, über und unter Wasser, sind wahre Postkartenidyllen (sieht man von den gefräßigen Bewohner dieses riesigen Meeres einmal ab). Die Bewohner, exemplarisch in der Form eines Meeressauriers, brauchen sich hinter den Jagdszenen aus Hollywood namens Jurassic Park oder den Tierdokumentationen der BBC nicht zu verstecken.

Szenen, die im Weltall spielen, sind so brillant, dass ein 3D-Programm im Einsatz gewesen sein könnte. Falls dies nicht der Fall war, ist ein Perfektionist am Werke, wie ihn der Comic-Fan im Vergleich bei Arbeiten wie The Red Star findet. Neben technischer Ausrüstung bestechen die Raumfahrzeuge und das Design der Städte einer futuristischen Erde (obwohl es bereits heutzutage im asiatischen und arabischen Raum ähnliche Ansichten geben mag). Ein exzellentes Farbenspiel vermittelt nicht nur einen tollen räumlichen Effekt, sondern bringt die Bilder auch mit einer feinen Leuchtkraft zum Glänzen. Bei Figuren ist der Farbauftrag mit einer milchigen Arbeitsweise getätigt worden, während dreidimensionale Objekte mit noch genaueren Farbübergängen und Verläufen abgebildet sind.

Cineasten unter den SF-Fans werden vielleicht eine Nähe zu den Arbeiten von James Cameron feststellen. Neben der Paradies-Thematik eines Avatar findet sich ebenfalls auch Weltall-Feeling im Sinne eines Aliens, wertet man eine Befreiungsaktion in stählerner Atmosphäre auf diese Weise. Der Ortswechsel, der hier stattfindet, bietet einen starken Kontrast zur sonnendurchfluteten Welt von Aquablue und rein optisch fällt die Entscheidung schwer, von welcher Handlungslinie man letztlich mehr sehen möchte. Einen großen Reiz bieten beide an.

Grandiose Optik, eine Geschichte, die sich langsam aufbaut und sich Zeit nimmt, ihre Charaktere genau in Augenschein zu nehmen, bevor das Drama seinen Lauf nimmt. Die Handlung verspricht in Zukunft noch sehr viel. Wenn sie das Niveau hält, wird die Reihe ein Knaller. Der Auftakt hat es bereits in sich! 🙂

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Drum prüfe, wer sich mit den falschen Leuten einlässt und die falschen Wünsche äußert. Es könnte fürchterlich daneben gehen. Für den jungen Mann, Gaspard, war diese Liebe zu Blanche alles. Und nun hat sie ihn einfach verlassen. Des Standes wegen. Gaspard kann und will diese Schmach nicht auf sich sitzen lassen. Er sitzt eine Hexe auf und schließt einen wahrhaft teuflischen Pakt. Doch wie so oft, Gaspard hätte es ahnen sollen, sobald er nur einen Fuß über die Schwelle des satanischen Weibes setzte, gibt es für jene, die die Rache suchen, nichts zu gewinnen.

Blanche unterdessen wird Königin. Mit großem Pomp, einer heiligen Ernennung in hohen Kirchenhallen ergibt die die junge Frau in ihr Schicksal, das ihr alles andere als willkommen ist. Doch da begibt es sich, dass der Pakt, den Gaspard schloss, noch einem anderen zu Ohren kommt. Einem, der das Antlitz einer kleinen Schnitzerei, dem letzten Kunstwerk Gaspards, verzückt betrachtet und beschließt, dieser Frau wahrhaftig zu begegnen. Eines Tages, am Ufer eines Weihers, trifft Blanche einen nackten Mann, überaus freundlich, verführerisch, auf naive Weise lockend und sie verfällt seinem Anblick, seinem Werben. Kurz.

Ein Märchen, eine königliche Intrige, eine Teufelsgeschichte, ein Krieg: der Leser bekommt von Jean Dufaux und Jose Luis Munuera einiges geboten. Eine traumwandlerische Reise, verwunschen schön. Letzteres ist dem spanischen Zeichner Jose Luis Munuera zu verdanken. Er besitzt die Fähigkeit, sehr leichte Figuren zu kreieren, biegsam wie Gummimännchen ausschauend, gleichzeitig zerbrechlich, einen klassischen Look leicht karikierend. Dem Comic-Fan ist er bekannt durch seine Arbeiten für Spirou + Fantasio oder auch Merlin und Fraternity. Mit diesen hier gezeigten Figuren ist er im Mittelalter, natürlich auch in der Fantasy wie Daheim.

Die beiden beherrschenden Frauenfiguren, Prinzessin (die spätere Königin) und die Hexe, haben einen gleichermaßen grazilen Körperbau, doch ihre Gesichter sind völlig gegensätzlich entworfen. Blanches Antlitz ist rundlicher, mit spitzen Dreieckskinn und großen grünen Kulleraugen. Dafür ist die Hexe eher eine Malefiz, mit Anleihen bei den sehr kinnlastigen Figuren eines Don Martin und sogar den klassischen Kanten antiker Statuen. Mit leichter Hand werden hier unterschiedlichste Mimiken aufs Papier geworfen, immer treffsicher mit minimalen Veränderungen.

Seitlich der Hauptdarsteller finden sich Charakterköpfe, in denen Munuera aus seiner eigenen Designlinie ausbricht. Da finden sich Anleihen, viele eigene Kreationen, mit relativ wenigen Linien erzeugt, so dass ein weiterer Künstler zaubern kann. Denn Sedyas trägt in Sachen Kolorierung einen großen Anteil an der wirklichen Schönheit der Bilder, die mal in Richtung Gemälde, mal zum Medium Trickfilm hin ausschlagen. Das Titelbild ist sicherlich aufwendiger koloriert als die Folgeseiten, gibt aber einen Eindruck der durchgehenden Aussagekraft der Bilder, die einen zuweilen nebligen Charakter haben, sonnendurchflutet sind und mit farblichen Stimmungen perfekt spielen. Prescht häufig in einem Künstlerteam einer vor, ergänzen sich hingegen Munuera und Sedyas auf das Schönste.

Es könnte ein Grimms Märchen sein, ist aber von Jean Dufaux erdacht und fein konstruiert. Bisher erscheint es wie eine Tragödie, aus der es für alle Beteiligten (sogar für die besonders fiesen) kein Entrinnen gibt. Das birgt Überraschungen, insbesondere bei Figuren, bei denen es so nicht zu erwarten war.

Der erste von zwei Bänden ist hinreißend, für Freunde des Märchens (oder märchenhafter Fantasy) und vermag gerade durch seine feine Gestaltung auf ganzer Linie zu begeistern. Dunkle Magie, unerfüllte Liebe und finstere Intrigen, alles genau von Jean Dufaux gegeneinander abgewogen. Sehr, sehr fein! 🙂

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Grandiosität ist kein Schlüssel zum Erfolg in einem harten Kampf. Diesen Schluss muss Derek Dynamo, der Sohn eines anerkannten Wissenschaftlers, ziehen, als er zusammen mit seinem Partner SUPER DINOSAUR gegen extrem gefährliche Gegner antritt. Beinahe geht der Einsatz schief. SUPER DINOSAURS Ausrüstung wird arg in Mitleidenschaft gezogen. Das ist noch nicht alles: Neue kommen auf die Basis. Sie sollen eigentlich die Arbeit des Doktors erleichtern. Leider, zu Dereks Verdruss, hat das Technikerehepaar auch seine beiden Töchter mitgebracht. Noch mehr Kinder in dieser Einrichtung will Derek nicht, der lieber mit seinem Vater und seinen eigenen Projekten alleine ist. Denn die ungewollte Gesellschaft könnte ein Geheimnis lüften, das nicht öffentlich werden darf.

Robert Kirkman kennt kindliche Wünsche. Es ist das Rezept eines George Lucas, der sich auch mit Chewbacca einen großen, besten Freund schuf. Kirkman, einem anderen medialen Zeitalter entsprungen, hält es lieber mit Dinosauriern und greift einen vergangenen, aber nicht vergessenen Hype wieder auf. Der Spezialist in Sachen Genre-Belebung, siehe auch The Walking Dead oder Invincible, beschäftigt sich in SUPER DINOSAUR nicht nur mit einem Kindertraum. Ganz nebenbei kreiert er noch ein kleines Comic-Universum.

Kirkman selbst sagt, die Geschichte sei für seinen Sohn entstanden, eine Art Pixar-Film auf Papier. Hier greift er aber zu kurz, denn die Figuren sind aufwendiger, die Geschichte ist mit mehr Action belastet und irgendwie auch eine Spur gigantischer, im wahrsten Sinne des Wortes. Denn Pixar steht mehr für Knuffelei. Knuffig ist hier nur der kleine Roboter von Derek Dynamo, einem höchst intelligentem Jungen und SUPER DINOSAURS bestem Freund. Nun ist ausgerechnet dieser SUPER DINOSAUR ein Tyrannosaurus Rex, zwar nur noch drei Meter groß, aber dennoch alles andere als knuffig zu nennen.

Ein Tyrannosaurus Rex ist ein Maul, eine Fressmaschine auf zwei Beinen. Eine solche Vorlage zu einem besten Freund für einen Heranwachsenden zu machen, ist ein kleines Kunststück. Es gelingt durch technische Gimmicks, die einen James Bond, so er sie denn noch verwendete, vor Neid erblassen lassen würde. Denn die kleinen Arme, die einen Tyrannosaurus Rex zu einer gewissen Hilflosigkeit degradieren, werden durch eine Joystick-Steuerung von weitaus mächtigeren Gliedmaßen, allesamt mechanisch, gewinnbringend eingesetzt. SUPER DINOSAUR, der, man könnte es so sagen, Computerspiele als eine Art Training absolviert, lässt sich auf diese Weise, die Austauschbarkeit seiner Ausrüstung, speziell für jede Mission neu ausstaffieren.

Aber zurück zum Anfang: Derek Dynamo, die sympathische Identifikationsfigur, sollte neben SUPER DINOSAUR nicht vergessen werden. Mit einer Spur Manga (oder Manhwa, ganz nach Bedarf) zieht Künstler, Zeichner und Kolorist in einem, Jason Howard eine klare Kante. Er mag die Ecke, wo vielleicht Rundungen sein sollten, konstruiert seine Figuren gerne, wie es aus der asiatischen Comic-Ecke gewohnter ist, aber es finden sich auch Strichtechniken, wie sie im Frankobelgischen aktuell vorkommen, zudem wieder aufgegriffen werden. Die Mixtur ist gelungen, flott, schnell wirkend, tatsächlich wie ein Pixar-Film auf Papier.

Derartige Kreaturen wie hier sucht man bei der Animationsschmiede eher vergeblich, denn dem SUPER DINOSAUR stehen nicht nur intelligente Dinosaurier entgegen. Robert Kirkman greift noch viel tiefer in die Trickkiste eines, vergleichsweise, comic-liebenden Dr. Moreau. Waffenstarrend, muskulös treten sie auf, zwingen SUPER DINOSAUR zum stetigen Wechsel seiner Ausrüstung und sogar eine sehr schicke Hommage an die japanischen Monsterfilme darf nicht fehlen. Fast könnte man meinen, Kirkman und Del Toro (Pacific Rim) hätten sich abgesprochen.

Was für ein Auftakt. Kirkman erzählt mit der Geschwindigkeit einer Zeichentrickepisode. Da hagelt es Überraschungen und optischen Aufwand, kracht es, so dass kindliche Augen, selbst durch Trickserien verwöhnte, voll auf ihre Kosten kommen. Kirkman springt ein Genre weiter und beweist, wie gut er für anscheinend jedes Lebensalter Unterhaltung entwerfen und über weite Strecken zu erzählen vermag. Sauber, poppig illustriert von Jason Howard. SciFi-Kinderherz, was willst du mehr? 🙂

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Der Weltraum, unendliche Weiten, aber nicht weit genug, um nicht doch noch einem Familienmitglied zu begegnen. Irgendwo da draußen findet eine Begegnung statt, die Captain Kirk weder gesucht noch vermisst hat. Sein großer Bruder gibt sich die Ehre und vermittelt einen Eindruck davon, was auch aus James T. Kirk hätte werden können. Leider wird es nichts mit einem anheimelnden Familientreffen, denn die Mannschaft der Enterprise begegnet einer scheinbar simplen Lebensform, die ihr aber sehr schnell das Leben sehr schwer macht. Eine parasitäre Lebensform ergreift Besitz von ihren Wirten und lenkt sie nach ihrem Willen. Selbst Spock, als Vulkanier mit hoher innerer Disziplin ausgestattet, ist gegen die Kraft der amöbenartigen Angreifer nicht immun.

Rache der Vulkanier: Wenn ein Volk seine Heimat verliert, kann es sein Verhalten so ändern, wie es niemand vorherzusehen vermochte. Der Gedanke an Rache verleitet zur Unlogik. Ein gesamtes anderes Volk für die Tat von Wenigen verantwortlich zu machen, würde den sonst so rationalen Vulkaniern zu einer anderen, einer früheren Zeit nicht eingefallen sein. So aber stellt sich nicht mehr die Frage nach dem Warum, sondern nur noch nach dem Wie. Nun haben sie einen Weg gefunden, mittels eines Tricks. Und zwischen einem neuerlichen Völkermord stehen nur noch Captain Kirk, Spock und die Mannschaft der Enterprise.

Spock außer Kontrolle: Undenkbar? Hier geschieht es. Spock bestätigt, dass auch Vulkanier Emotionen besitzen, ganz gleich, ob sie nun halb menschlich sind oder nicht. In der zweiten Episode des vorliegenden Bandes wird diese These noch weiter vorangetrieben. Autor Mike Johnson vermischt Altbewährtes mit den Zutaten der Zeitlinie, die dem Universum um Star Trek einen feinen Neustart ermöglicht hat. Kleine Rückblicke, eine Vertiefung der Charakterzeichnungen, Familienbande, Völkerbande verdichten die bestehenden ersten Eindrücke. Action, geringfügig eingesetzt, weitaus geringer als im aktuellen Kinofilm, setzt Spitzen in die Handlung. Wichtiger sind Johnson die Wahlmöglichkeiten von scheinbar auswegslosen Situationen. Entkommen sie oder nicht? Werden sie überleben? Denn diese Fragen sind entgegen der Kenntnis bestehender Gesetze bei Star Trek nicht so einfach zu beantworten.

Die weiteren Einblicke in diese ferne Welt sind dank der beiden Zeichner JoeCorroney und Joe Phillips stylisch zu nennen. Sehr feine Außenlinien, mit Figuren, die sich regelrecht in Positur werfen und an einen gezeichneten Fotoroman erinnern. Das verbindet alten und neuen Look und entführt auch nostalgisch in jene Tage der Fernsehkulissen, aber hält auch dunkle Alien-Abgründe bereit. Mit der Darstellung der fremden Lebensform wird den alten Tagen Respekt gezollt, wie auch eine Brücke geschlagen, vergleicht man den Angriff dieser Wesen mit einem Facehugger.

Farblich bleibt es knallig, kräftig, etwas einfacher, denn dank der grazilen wie auch sehr genauen Vorlagen der beiden Zeichner muss Kolorist John Rauch nicht zu sehr ins Detail gehen.

Nach den bekannteren alten, neu aufgelegten Episoden nun auch der erste Ausflug in eigene Gefilde. Eine Art Epilog zum ersten Kinofilm der neuen Zeitlinie liefert weitere Informationen zu den Ereignissen, nachdem die Vulkanier sich aufmachten, eine neue Heimat in der Föderation zu finden. Die beiden Künstler Joe Corroney und Joe Phillips zeichnen weniger fett als ein David Messina, aber nicht weniger genau dank sorgfältiger Verwendung der Filmvorlagen. Eine in sich stimmige Fortführung, zur Hälfte mit ganz neuer Erzählung. 🙂

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